ochendaje (ochendaje) wrote,
ochendaje
ochendaje

Для тех кто слегка безумен!

При внимательном разглядывании работы тех или иных мастеров периодически возникает ощущение, что между такими двумя направлениями как хендмейд и дизайн не существует четкой грани. Есть некая область, в которой одна сфера деятельности плавно перетекает в другую. То есть в какой-то момент своего творчества  каждый мастер-ремесленник начинает выступать в роли дизайнера. Собственно одной удивительной выставке пытающейся разобраться в этом вопросе и посвящен этот пост.


Отличной новостью для всех любителей предметного мира Америки середины двадцатого века стало известие об открытии в октябре 2011-го выставки Crafting Modernism: Midcentury American Art and Design, сокращенно MAD museum, для тех кто не силен в английском, в аббревиатуру закралась игра слов, ее можно прочитать как «музей безумств!».



Сосредоточенная на непростых отношениях между искусством и дизайном в ремесленной среде (изделий из глины, шерсти, дерева, металла, стекла и альтернативных материалов) эта выставка исследует направления в артсреде послевоенной Америки. Давайте попробуем разобраться.






Выставка охватывает 25-летний промежуток, начиная с ранних мастеров-дизайнеров 1940-х и 50-х годов и заканчивая провокационными работами 1969 года. На выставке представлены работы  более чем 20 художников.






Период, сразу после Второй мировой войны, характерен переходом производства к массовым масштабам, а предметы, изготовленные нарочито вручную, сразу обретают статус более человечных, чем штампованная эстетика. Выставка рассматривает связь между рукодельным творчеством и миром дизайна на примере работ текстильного дизайна Дороти


Дороти Либс, кашемир, 1957

мастера по мебели Джорджа Накашима




художника Джона Припа


скульптора и дизайнера Исаму Ногучи




и многих других.

Условно попробуем перевести заглавный термин этой выставки, «Crafting Modernism» как ремесленный модерн. Звучит конечно несколько коряво, да и направление модерн у нас в сознании, наверное больше рифмуется с началом двадцатого века, однако лучшего варианта  перевода придумать не получилось.




В середине двадцатого века, ремесленный модерн растет и развивается вслед за подъемом и трансформацией американской жизни в бурные 60-е. Благодаря разработке и введению в американских университетах курсов по ремеслам, художники, например, Питер Вулкос




и Ленор Тоуни




начинают чаще прибегать к эстетическим и скульптурным качествам таких материалов, которые раньше не рассматривались как применимые в искусстве. Это развитие шло параллельно  с растущей открытостью мира искусства к новым способам самовыражения и альтернативных медиа. Можно понаблюдать в работах таких мастеров как Клэр Фалькенштайн



и Александра Колдера  




Художники, представленные на выставке, пришли в дизайн  из различных дисциплин. Некоторые прошли обучение в академических кругах, а некоторые, например, Сэм Крамер, были в основном самоучки.

Серебро и глаз из фурнитуры для таксидермии

Кто-то из них родом из мира живописи, а кто-то занимался скульптурой и дизайном.




Название этого поста взято из заголовка к ранней выставке Сэма Крамера. Галерея Гринвич-Виллидж, в которой он выставлялся в молодости была центром активной жизни и творчества, как сюрреалистов, так и просто веселящейся молодежи. Именно тогда он прорекламировал свои работы как подходящие для людей, которые "слегка безумны"


Крамер кратко изучил ювелирное дело на одном курсе с Гленом Люкензом в Калифорнии. После нескольких лет путешествий, когда он узнал о геммологии и культуре навахо, Крамер открыл свою галерею на Восьмой улице в Нью-Йорке. С самого начала он работал с такими нетрадиционными материалами, как фурнитура для таксидермистов. Уже тогда в их работах прослеживались причудливые антропоморфные и эротические формы. Все изделия были рассчитаны, чтобы поразить и привлечь клиентов.

серебро, золото, фурнитура для таксидермистов, слоновая кость, рог.


Ювелиры, чьи работы включены в выставку,  выбрали для себя путь жить и работать в стороне от коммерции и востребованных в ювелирных магазинах тенденций. Решение заниматься украшениями, практически не имеющими никакой денежной ценности, работать в одиночку или в маленьких мастерских — позволило этим ювелирам создать богатые, полные убедительных форм коллекции, которые были вызовом художественным и культурным традиции окружавшему их миру. Они покупались частными лицами, часто представителями авангарда, которые ощущали внутреннее родство с этими работами.




Поскольку ремесленный модерн, постепенно становился все более востребованным публикой явлением, постепенно он добился актуальности в американском искусстве и укладе жизни, выступая как проявление контркультурного взгляда на жизнь.




Среди художников, представленных на выставке, отдельные авторы, будучи авангардистами для своего поколения, сейчас стали весьма влиятельны в своей области, в каком-то плане иконы для современного искусства.


Стоит признать, что за период с послевоенных лет и до конца шестидесятых ремесленный модерн оказал огромное влияние и на развитие современной скульптуры, и на ювелирные украшения и на американское искусство в целом. Удивительный результат преподавания рукоделия в университетах, интересно, что у нас сейчас на уроках труда преподают? Кстати выставка продлится до июля, есть шанс сходить вот сюда.)


Tags: Интерьер, Керамика, Металл, Стекло, Ткань, Ювелирные украшения
promo ochendaje september 8, 2015 08:00 75
Buy for 100 tokens
Находится уж точно не в Москве и не в Питере. Тем более, не в Сочи, несмотря на все последние переделки. И даже в свежеобретенном Крыму его нет. В общем, скорее всего, вы не догадаетесь.…
  • Post a new comment

    Error

    default userpic

    Your reply will be screened

    Your IP address will be recorded 

  • 36 comments